Más Allá de la Imagen en Movimiento
La cinematografía es un arte en constante evolución, desde sus inicios ha ido sufriendo numerosos cambios. Recibió el sonido con todos los problemas que esto le supuso (esto da para otra entrada), después llego el color, el digital, el 3D, las inteligencias artificiales y lo que vendrá. Pese a todos estos cambios hay un concepto estático que ha permanecido inmutable en su valor para el cine, la fotografía. A menudo, cuando pensamos en el cine, tendemos a enfocarnos en la actuación, la dirección, el guion o la música, pero es esencial recordar que la dirección de fotografía, también conocida como "cinematografía", es uno de los componentes más cruciales y visuales del proceso cinematográfico y juega un papel central en la creación de emociones, atmósferas y narrativas visuales. En esta serie de publicaciones, voy a tratar de explorar, desde mi pequeño conocimiento la importancia de la fotografía en el cine, analizando ejemplos icónicos y destacando la magia detrás de las imágenes en movimiento. Esta serie de entradas están pensadas para cubrir unos ciertos objetivos siendo los principales tener una excusa para investigar sobre fotografía y cine y otra es tratar de compartir mi fascinación por lo visual.
La Fotografía: El Lenguaje Visual del Cine
Antes de sumergirnos en ejemplos icónicos de fotografía en el cine, es importante entender por qué la fotografía es tan esencial en esta forma de arte. El cine se compone de una secuencia de imágenes en movimiento, y cada una de estas imágenes es una fotografía fija que se convierte en parte integral de la narrativa cinematográfica. La dirección de fotografía es el arte y técnica de proyectar imágenes fijas de manera continuada sobre una pantalla para crear una sensación de movimiento, comunicar historias, emociones y temas. Parece evidente pero a la larga se nos acaba despistando el concepto de que el cine o el vídeo no son más que muchas fotografías seguidas.
La Creación de Mundos
Una de las funciones más poderosas de la dirección de fotografía es la creación de mundos visuales. A través del uso de la iluminación, la composición y la elección de lentes, los directores de fotografía pueden transportar a la audiencia a lugares y épocas distintas. Un ejemplo clásico de esto es la película "Blade Runner" (1982) a la que haremos varias referencias por causas evidentes, dirigida por Ridley Scott y fotografiada por Jordan Cronenweth. La visión futurista y distópica de Los Ángeles en el año 2019 se logró mediante la iluminación de neón, la lluvia constante y la combinación de colores fríos que crearon una atmósfera única e inmersiva. Aquí una imagen de las dos Blade Runner y como la atmósfera futurista de la primera cambia en Blade Runner 2049.
La Emoción en la Imagen
La fotografía en el cine también es una herramienta poderosa para evocar emociones. La iluminación, en particular, puede influir en cómo nos sentimos acerca de un personaje o una situación. En la película "El Padrino" (1972), dirigida por Francis Ford Coppola y fotografiada por Gordon Willis, la iluminación de contraste y las sombras profundas se utilizan para enfatizar la dualidad de los personajes y la moral ambigua de la historia. Prácticamente por definición nos sentimos identificados con los protagonistas de las historias que nos cuentan y queremos que las cosas le salgan bien pese a que en alguna ocasión olvidemos que pueden ser asesinos (Dexter) o mafiosos sin escrúpulos (Uno de los nuestros). Las escenas oscuras y sombrías en la película crean una sensación de misterio y tensión, contribuyendo a la profundidad emocional de la trama.
El Movimiento y la Narrativa Visual
Además de la iluminación, la composición y la elección de lentes también desempeñan un papel crucial en la narrativa visual del cine. Los directores de fotografía utilizan estos elementos para dirigir la atención del espectador y contar historias de manera visual. Un ejemplo emblemático es la película "El Resplandor" (1980), dirigida por Stanley Kubrick y fotografiada por John Alcott. La película utiliza composiciones simétricas y planos amplios para crear una sensación de aislamiento y locura en el personaje principal, Jack Torrance. La elección de lentes angulares distorsiona la realidad y añade un elemento de inquietud a la película. No olvidemos que el bueno de Kubrick era fotógrafo y tiene un gran repertorio en sus películas para analizar, lentes, composición o iluminación (Barry Lyndon, donde no existe iluminación eléctrica solo natural o de velas).
Un ejemplo mucho más reciente lo tenemos en la película “The Batman” donde Greig Fraser utiliza lentes anamórficas. Estas lentes tienen unas características especiales que crean cierta distorsión dando un viñeteado borroso. Greig fue más allá y las modificó para que este efecto fuese más pronunciado y exagerado. ¿Para qué? Para crear una atmosfera Noir, para captar tu atención en el centro de la imagen. De hecho llegó a usar lentes soviéticas de los años 50 para conseguir un bokeh especial.
La Influencia en la Narrativa
La dirección de fotografía no solo se limita a la creación de atmósferas y emociones; también puede tener un impacto directo en la narrativa de una película. En "Sin City" (2005), dirigida por Robert Rodriguez y Frank Miller (basada en la novela gráfica de Miller), la fotografía en blanco y negro con toques de color se utiliza para diferenciar entre los personajes y sus arcos narrativos. Cada personaje tiene su paleta de colores única, lo que facilita la identificación y el seguimiento de múltiples tramas.
El Simbolismo y la Metáfora Visual
Otra dimensión fascinante de la dirección de fotografía en el cine es el uso del simbolismo y la metáfora visual. Los directores de fotografía pueden utilizar elementos visuales para transmitir significados más profundos. En "American Beauty" (1999), dirigida por Sam Mendes y fotografiada por Conrad L. Hall, se emplea un simbolismo visual a través de las imágenes de las bolsas de plástico flotando en el viento. Estas bolsas representan la búsqueda de belleza y significado en la vida cotidiana, lo que contribuye a la narrativa central de la película. En la película "Forrest Gump" (1994), dirigida por Robert Zemeckis, hay una escena en la que el personaje principal, Forrest Gump, está sentado en un banco esperando el autobús. En sus manos, tiene una caja de bombones que ha estado comiendo a lo largo de la película. Mientras relata su vida y sus experiencias, Forrest utiliza la frase: "La vida es como una caja de bombones; nunca sabes lo que te va a tocar". Esta escena y la frase en sí misma actúan como una metáfora visual. La caja de chocolates representa la incertidumbre de la vida, ya que nunca sabes qué te depara el futuro. Cada chocolate en la caja es diferente, y Forrest no puede prever el sabor de cada uno, de la misma manera que no puede prever lo que sucederá en su vida. La metáfora visual de la caja de chocolates se utiliza para transmitir el mensaje central de la película sobre la imprevisibilidad de la vida y cómo enfrentar lo desconocido.
Conclusión: La Fotografía como Alma del Cine
En resumen, la dirección de fotografía es el alma del cine. Es la herramienta que da vida a las imágenes en movimiento y que nos permite explorar mundos, sentir emociones y comprender historias. A través de la iluminación, la composición, la elección de lentes y el simbolismo visual, los directores de fotografía crean una experiencia cinematográfica única y memorable. En las próximas publicaciones de esta serie, exploraremos más ejemplos icónicos de dirección de fotografía en el cine y cómo estas imágenes han dejado una huella imborrable en la historia del séptimo arte. Desde los filmes en blanco y negro de la era dorada de Hollywood hasta las producciones contemporáneas más innovadoras, la dirección de fotografía sigue siendo una fuente infinita de inspiración y asombro en el mundo del cine.